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Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura

México 2014

CARTELERA



Cine Club CCB - Temario anual 2011

CINECLUB CCB (TEMARIO ANUAL)

Imparte: Joaquín Rodríguez

Sala CCB (Antes Sala de Usos Múltiples)A partir del 15 de febrero del 2011Martes, 19:00 horas Entrada Libre

CICLO: TRUFFAUT Y LA NUEVA OLA FRANCESA.

Durante febrero y marzo.

La Nueva Ola Francesa, mejor conocida como la Nouvelle Vague, es el movimiento artístico seminal del cine contemporáneo. Desde entonces y hasta ahora no ha habido otra corriente fílmica tan renovadora, vital, contestataria, y, en suma, revolucionaria. Prácticamente cualquier propuesta actual tildada de innovadora tiene una enorme deuda con la Nueva Ola, y, a final de cuentas, termina por ser la continuación de algo que ya propusieron los franceses durante los 50’s y 60’s.

Sin embargo, suelen ser más reconocidos los hallazgos visuales de los cineastas nuevaoleros, y hoy por hoy, a menudo se pasa por alto su aportación al llamado cine de las ideas. Nadie como ellos para diseccionar el alma humana desde una postura tan romántica como intelectual. Es por ello que este ciclo hace énfasis en cintas y directores a los que se suele tachar de más convencionales, pero solo en cuanto a su puesta en escena, su narrativa lineal, su afición por los géneros clásicos, y su predilección por el carisma de los actores estrellas. Detrás de Truffaut, Chabrol, Demy y Vardà hay despiadados analistas que develan como nadie las miserias del hombre y su sociedad, aún recurriendo a propuestas como las de Jacques Demy, que tras sus edulcorados espectáculos musicales era capaz de mostrar un pesimismo avasallador.       

Martes 15 de febrero.

Los 400 golpes (Les quatre cents coups)  Dir: François Truffaut (Francia/1959). Dur: 99 min.

Esta es la película que lo inició todo. El banderazo de salida del movimiento de la Nouvelle Vague, o por lo menos la que provocó que el mundo entero pusiera sus ojos sobre Truffaut y sus compinches. Además, es el inicio de la saga de Antoine Doinel, alter ego de Truffaut, y al que siguió después, siempre encarnado por el actor Jean Pierre Leaud, en otras cuatro cintas y a lo largo de 20 años.  

Martes 22 de febrero.La sirena del Mississipi (La siréne du Mississipi). Dir: François Truffaut. (Francia/1969)  Dur: 123 min.

Diez años después de Los 400 golpes Truffaut había encausado su filmografía a territorios más convencionales, por lo menos plásticamente. En cuanto a sus argumentos, se había convertido ya en el poeta máximo del amour fou, o amor loco. Este Thriller, muy influenciado por Hitchcock, es la prueba de ello. Los protagonistas son Catherine Deneuve y Jean Paul Belmondo, ya entonces iconos absolutos del cine francés.     

Martes 1º. de Marzo.La noche americana (La nuit américaine). Dir: François Truffaut.  (Francia-Italia/1973).  Dur: 115 mins.

Una de las obras maestras de Truffaut y un canto de amor al cine mismo. Cine dentro del cine en su máxima expresión. Además, una soberbia reflexión sobre el proceso creativo y los derroteros que el propio movimiento de la Nueva Ola francesa había seguido después de 15 años de haber surgido. Con esta película, Truffaut obtuvo el Oscar de Hollywood a la Mejor Película Extranjera, y fue nominado como director y guionista.   

 

Martes 8 de marzo.La historia de Adele H. (L’histoire d’Adéle H.). Dir: François Truffaut.  (Francia/1975). Dur: 96 min.

Uno de los mayores éxitos de taquilla de Truffaut, y también el más desesperanzado de sus filmes abocados a narrar un amor loco. La diva francesa Isabelle Adjani encarna a Adele Hugo, la hija del escritor Víctor Hugo, quien desciende a los abismos de la locura en pos de un amor imposible. La fotografía de Nestor Almendros es, por otra parte, extraordinaria.   

Martes 15 de marzo.Al anochecer  (Juste avant la nuit) Dir: Claude Chabrol. (Francia/1971).  Dur: 100 min.

Claude Chabrol, considerado el entomólogo más puntual de la sociedad francesa, logró con esta cinta, una de sus menos conocidas, otro despiadado análisis de un matrimonio en crisis. El hilo conductor es otra vez, como le gustaba a su director, una intriga policiaca, pero el énfasis está depositado en el análisis psicológico de sus personajes, enfrentados a delicadas decisiones éticas y morales.   

Martes 22 de marzo.Los paraguas de Cherbourgo (Les parapluies de Cherbourg). Dir: Jacques Demy.  (Francia-Alemania/1964). Dur: 91 min.

Jacques Demy fue quizás el primer director de la Nueva Ola despreciado por sus contemporáneos al acusarlo de plegarse a las convenciones del cine norteamericano más complaciente. Pero detrás de esta Ópera romántica hay un muy amargo desenlace que confirma aquello de que amor, a final de cuentas, no es eterno. La música de Michel Legrand es magnífica, la puesta en escena soberbia, y la belleza de Catherine Deneuve absoluta. Ganadora de la Palma de oro en el Festival de Cannes.    

Martes 29 de marzo.

La piel dura (L´argent de poche)  Dir: François Truffaut. (Francia/1976).  Dur: 104 min.

Narra las experiencias de un grupo de niños de diferente edad y condición que viven en la pequeña ciudad de Thiers. Patrick vive con su padre inválido y sueña con recibir su primer beso. Julien vive en un hogar pobre y desestabilizado; su madre es alcohólica y lo maltrata. Alrededor de estos dos personajes gira la vida de otros niños de una pequeña escuela francesa de provincias cuyas historias se irán conociendo durante el verano de 1976.

CICLO: DOS MAESTROS DE LA COMEDIA.

El mes de abril en el Cine Club del Centro Cultural del Bosque está dedicado en sus dos únicas sesiones a homenajear a dos maestros de la comedia. Uno es William Shakespeare, de quien se proyectará la adaptación fílmica que de su obra La fierecilla domada filmara el italiano Franco Zefirelli en 1968. Sirva además esta proyección como un homenaje a la recién desaparecida Elizabeth Taylor.

El segundo homenajeado es el recientemente fallecido director norteamericano Blake Edwards, creador de la mítica Pantera Rosa, y de quien se exhibirá una de sus mejores cintas: Víctor, Victoria, otra soberbia demostración de precisión para manejar el timing cinematográfico.

Martes 12 de abril.La fierecilla domada.  Dir: Franco Zeffireli (Italia/1967). Dur: 122 min.

Elizabeth Taylor y Richard Burton interpretan a Katharina y Petruchio en la obra clásica de Shakespeare. El machismo, la hipocresía social y la liberación femenina en el siglo XVI son algunos temas en esta comedia donde Petruchio es un caballero de Verona afligido por la pobreza que emprende camino a Padua en busca de una esposa millonaria. Ahí se encuentra con la feroz Katharina, una fierecilla terca quien conduce a Petruchio a una simpática persecución antes de que él transforme y enrede sus esfuerzos para evitar el matrimonio.   

Martes 26 de abril.Victor Victoria  Dir: Blake Edwards. (E.U./1982)  Dur: 120 min.

En el París de los años 20 una frustrada cantante de Opera se hace pasar por un hombre que triunfa haciéndose pasar por una mujer. Blake Edwards cuestiona los roles sexuales en esta soberbia comedia que le dio uno de sus mejores papeles a Julie Andrews.   

CICLO: LA CONSTRUCCIÓN DE LA IMAGEN: Algunos de los máximos estetas del cine y sus fotógrafos.

Durante mayo, junio, julio y agosto.

Las cintas que conforman este ciclo buscan no solo echar un vistazo a algunos de los mejores directores en la historia del cine, sino resaltar el proceso de colaboración entre ellos y sus fotógrafos, y como esos dúos consiguieron darle un nuevo sentido a la imagen cinematográfica. No se trata solamente de que estas cintas sean casi todas ellas grandes obras maestras, sino de que son espectáculos visualmente deslumbrantes, sumamente entretenidos, y además innovadores, ya sea por su concepción estética, o por el hecho de que para conseguir llevar a cabo esa concepción se tuvo que perfeccionar o incluso inventar algún recurso técnico. 

    

Martes 3 de mayo.Amanecer (Sunrise). Dir: F. W. Murnau.  (Estados Unidos/1927). Dur: 94 min.

Fotógrafos: Charles Rusher y Karl Struss.

Esta cinta será musicalizada en vivo por la pianista Deborah Silberer

La precisión fotográfica de Murnau queda otra vez en evidencia en esta, una de sus obras mayores. Para su tiempo, el director renovó completamente el lenguaje fílmico mediante el empleo de filtros capaces de alterar la imagen creando efectos de enorme belleza, y además sorprendió con audaces movimientos de cámara inimaginables en el cine de su época.

altMartes 17 de mayo.Sombras del mal (Touch of Evil).  Dir: Orson Welles. (Estados Unidos/1958)  Dur: 94 min. Fotógrafo: Rusell Metty.

Cada nueva película de Welles era una cátedra respecto de cómo imaginar nuevas formas de encuadrar e iluminar. En esta cinta, llevó las convenciones del film noir hasta el limite y creó delirantes y barrocas atmosferas que, sin proponérselo su director, se convirtieron en un compendio de toda la estética del género. La historia es lo de menos y el estilo lo es todo en esta soberbia cinta, muy incomprendida en su época.

Martes 24 de mayo.

La venus rubia (Blonde venus).  Dir: Joseph Von Sternberg. (Estados Unidos/1932). Dur: 90 min. Fotógrafo: Bert Glennon.

Quinta de las siete películas que Von Sternberg dirigió para su musa, la Dietrich, y que no es otra cosa que un típico melodrama Hollywoodense de la época, aunque con algunos apuntes sumamente interesantes tratándose de una producción anterior al código Hays. Lo que lo hace imprescindible es el trabajo visual de su director y fotógrafo, Glennon, quienes una vez más convierten a la Marlene en un símbolo erótico inconmensurable. Como iluminan a la actriz es todo un ejemplo de construcción de una diosa de la pantalla.

Martes 31 de mayo.

Enamorada.  Dir: Emilio “Indio” Fernández.  (México/1946).  Dur: 93 min. Fotógrafo: Gabriel Figueroa.

El “Indio”, creador de una estética fílmica que le dio la vuelta al mundo, consiguió una de sus mejores cintas con Enamorada, al mismo tiempo bella y emotiva, así como lo es divertida y festiva. La parte cómica demuestra que el “indio” si tenía sentido del humor, e incluso hoy en día conserva toda su gracia e ingenio. Por su parte, María Félix nunca se vio tan bella y desenvuelta.

Martes 7 de junio.Más corazón que odio (The Searchers). Dir: John Ford. (Estados Unidos/1956). Dur: 119 min.Fotógrafo: Winton C. Hoch.

Considerado por muchos como el mejor western jamás filmado, esta cinta es además una suma de las cualidades fotográficas de su director, John Ford, capaz de conseguir extraordinarias composiciones plásticas, muy hermosas, pero que en ningún momento entorpecían la progresión narrativa de su relato. Destaca aquí, especialmente, el uso del Technicolor, nunca más espectacular. Se trata, por otro lado, de un curioso western revisionista que a su ambigüedad ideológica sumaba la visión reconciliatoria que Ford desarrollaría respecto de los indios norteamericanos en sus futuras películas.  

Martes 14 de junio.La máscara de la muerte roja (The Masque of the Red Death). Dir: Roger Corman.  (Estados Unidos-Inglaterra/1964). Dur: 89 min. Fotógrafo: Nicholas Roeg.

De la mano de uno de los mejores fotógrafos británicos de los 60 y 70, Corman trascendió los estrechos limites de sus producciones de bajísimo presupuesto para construir un abigarrado espectáculo gótico que si bien tiene poco que ver con el espíritu de Edgar Allan Poe, como lo pretendía, si es tributario del cine en su estado más puro y disfrutable. La estética del cine de horror inglés de los 60’s, el llamado Hammer look, en su máxima expresión.

Martes 21 de junio

Gritos y susurros (Cries and Whispers) Dir: Ingmar Bergman (Suecia/1971) Dur: 91 min.

Fotógrafo: Sven Nikvist.

Martes 28 de junio.El bueno, el malo y el feo (Il bouno, il brutto, il cattivo). Dir: Sergio Leone  (Italia/1966). Dur: 179 min. Fotógrafo: Tonino Delli Colli.

Leone renovó el genero del western modificando sus reglas y su mitología, pero además le dio un nuevo brío al cine de aventuras de su tiempo con esta estupenda cinta que a su efectividad y magnificencia suma la icónica presencia de Clint Eastwood, quien le debe su fama al personaje del “hombre sin nombre” que encarna. Visualmente, Leone consigue junto con su fotógrafo un catalogo de imágenes imborrables que ostentan un perfecto manejo de la composición y la profundidad de campo.

Martes 5 de julio.El conformista (Il conformista). Dir: Bernardo Bertolucci. (Italia/1970). Dur: 107 min. Fotógrafo: Vittorio Storaro.

Bertolucci construye una impactante alegoría política de la mano de Storaro, su fotógrafo de cabecera, quien es indiscutiblemente uno de los mejores en su ramo en la historia del cine. En este caso, no solo sorprenden la belleza de los encuadres y composiciones, sino el impecable manejo de la luz y el color.

Martes 12 de julio.Días de gloria (Days of Heaven). Dir: Terrence Malik.  (Estados Unidos/1978). Dur: 94 min. Fotógrafo: Nestor Almendros.

Con esta película, ganadora de la Palma de Oro del Festival de Cannes, Malick le proporciono a Nestor Almendros el vehículo perfecto para dar rienda suelta a su talento fotográfico. Más allá de la historia, lo que permanece con el espectador son una sucesión de evocadoras imágenes que podrían definirse como cuadros en movimiento. La filmación transcurrió durante casi un año, y el equipo esperaba durante horas, días o semanas hasta que las condiciones de iluminación eran las adecuadas según el director y el fotógrafo.

Martes 19 de julio.Manhattan. Dir: Woody Allen.  (Estados Unidos/1978). Dur: 94 min. Fotógrafo: Gordon Willis.

Una de las mejores películas de Allen es además uno de sus más logrados trabajos junto al fotógrafo Gordon Willis, a quien le encomendó la misión de retratar Manhattan de la manera más bucólica posible. Por única ocasión, Allen emplea el formato de la pantalla ancha, Cinemascope, una imposición de Willis, quien también insistió en filmar en blanco y negro. Curiosamente, es el film menos apreciado por Allen en su filmografía.

Martes 26 de julio.Los duelistas (The Duellists) Dir: Ridley Scott. (Inglaterra/1977). Dur: 100 min. Fotógrafo: Frank Tidy.

El debut fílmico de Scott, esteta que se especializaría en el cine de acción y aventuras (Blade Runner, Alien, Gladiador), permanece vigente como una obra de experimentación visual capaz de recrear tan vívidamente una época (la era Napoleónica), que por momento la impresión que produce es la de estar frente a auténticos gobelinos vivientes. Scott logró con este filme perfeccionar la técnica desarrollada por Kubrick años antes en Barry Lyndon.

Martes 13 de septiembreEl resplandor (The Shining). Dir: Stanley Kubrick.  (Estados Unidos-Inglaterra/1980). Dur: 142 min. Fotógrafo: John Alcott.

Kubrick fue siempre un innovador que con tal de lograr las imágenes que buscaba presionaba a sus fotógrafos para inventar nuevas cámaras, lentes y material fotográfico. Es el caso de El resplandor, un film de horror con el que buscó crear efectos visuales a partir de un manejo de la cámara que llevó a crear el steadycam, un revolucionario mecanismo hoy de uso común en la industria.

Martes 20 de septiembre.La leyenda del jinete sin cabeza (Sleepy Hollow). Dir: Tim Burton.  (Estados Unidos-Inglaterra/1999). Dur: 105 min. Fotógrafo: Emmanuel Lubezki.

Tim Burton colaboró por única ocasión con el fotógrafo mexicano Emmanuel Lubezki en esta película que buscaba recrear el Hammer look del cine de horror británico de los 60’s.  No solo lo consiguieron, sino que Burton logró, si no su mejor obra, si la más depurada y deslumbrante a nivel visual.

Martes 27 de septiembre.Héroe (Hero). Dir: Zang Yimou.  (China/2003). Dur: 109 min. Fotógrafo: Christopher Doyle.

El que para muchos es el mejor fotógrafo de los últimos veinte años en el mundo del cine, el británico Christopher Doyle, ha incursionado con mucha frecuencia en el cine oriental. En este caso, se alió con Zhang Yimou para darle forma a este compendio del cine de artes marciales que incorpora a la pericia fotográfica la manipulación digital. Un gran espectáculo que resulta tan excesivo como vistoso e hipnotico.

CONCLUSION DEL CICLO: LA CONSTRUCCION DE LA IMAGEN: Pintura, celuloide y dibujos animados.

Durante octubre, noviembre y diciembre.

 Martes 4 de octubre.

Moulin Rouge. Dir: John Huston. (E.U./1952). Dur: 119 min.

Fotógrafo: Oswald Morris.

Hollywood nos ofrece su muy particular visión de la biografía del pintor francés Toulouse Lautrec tomándose muchas libertades con los detalles históricos, pero consiguiendo una deslumbrante recreación del estilo impresionista cultivado por el biografiado. Una de las mejores cintas de John Huston, creador de obras maestras como El halcón maltés y El hombre que sería rey. No confundir con el reciente musical del mismo titulo.

Martes 11 de oct.

Peeping Tom: El fotógrafo del pánico. (Peeping Tom). Dir: Michael Powell.  (Inglaterra/1960). Dur: 97 min.

Fotógrafo: Otto Heller.

Justo el mismo año en el que Alfred Hitchcock sorprendió al mundo con su obra maestra Psicosis, el legendario cineasta Michael Powell escandalizó a Inglaterra con otra historia que tenía como protagonista a un asesino psicópata con un gusto particular por las mujeres. A diferencia del reconocimiento obtenido por Hitchcock, Powell vio como su filme era prohibido en su país natal, escasamente distribuido en el mundo, y su carrera quedó prácticamente terminada. Veinte años después se reconocería la maestría de esta película maldita, que regresaría a las pantallas gracias a la difusión que le dio Martin Scorsese.

Martes 18 de octubre.

Las trillizas de Belleville (Les triplettes de Belleville).

Dir: Sylvain Chomet.  (Francia/2003). Dur: 80 min.

El ciclo La construcción de la imagen concluye con una reflexión sobre el impacto del cine de animación y su capacidad para relacionarse con la pintura en su búsqueda de nuevas formas de expresión. El primer largometraje de Sylvain Chomet es el perfecto ejemplo de un filme estilizado, bello y poético que trasciende por mucho las etiquetas comúnmente aplicadas a la animación como un entretenimiento meramente infantil.

Martes 25 de octubre.

El ilusionista (L’Illusionniste)

Dir: Sylvain Chomet. (Francia/2011). Dur: 80 min.

El más reciente largometraje de Sylvain Chomet, no estrenado comercialmente en México, toma como partida un guión nunca producido de Jacques Tati, genio absoluto que lograba mezclar comedia y melancolía mediante el uso de imágenes desprovistas casi en su totalidad de diálogos. Chomet permanece fiel a Tati, y consigue crear así una hermosa fabula que reconfirma su enorme talento como uno de los nombres mayores en la animación contemporánea.

NOVIEMBRE Y DICIEMBRE.  CICLO: LIBERACIÒN, PSICODELIA Y REBELDIA EN LOS 60.

El último ciclo del año busca explorar someramente en la cultura de la década de los 60 haciendo énfasis en ciertos filmes que revolucionaron de una manera u otra el lenguaje cinematográfico, o bien, que reflejan con gran puntualidad un momento histórico marcado por la búsqueda de nuevas formas sociales, políticas y culturales. Ciertamente, no son todos los que son, pero si todos lo que están en este breve vistazo a una década convulsa y marcada por la inconformidad. Como complemento, se proyectarán algunos cortos que si bien no fueron producidos durante los 60,  marcaron la revaloración de la obra de sus autores o fueron reinterpretados según las claves muy particulares de la época.

Nota: El ciclo inicia el martes 8 de noviembre ya que la sesión del 1º. de diciembre queda cancelada.

Martes 8 de noviembre.

El submarino amarillo (Yellow Submarine).

Dir: George Dunning. (Inlgaterra/1968). Dur: 90 min.

Más la creación del animador George Dunning que de los Beatles, que en un principio objetaron la realización de este filme a partir de sus canciones y en cuya hechura tuvieron poco que ver, esta cinta es hoy por hoy un icono absoluto de los 60 y un fascinante viaje por un universo surrealista muy en deuda con la cultura de las drogas de la época. Los propios Beatles quedaron tan satisfechos al final con la película que propusieron la inclusión del   epilogo en donde aparecen. Como complemento se exhibe previo el corto Ballet Mecanique (Dir: Ferdinand Leger/Francia-1924)

Martes 15 de noviembre.

Deseo de una mañana de verano (Blowup).

Dir: Michelangelo Antonioni.  (Inglaterra-Italia-Estados Unidos/1966). Dur: 111 min.

Antonioni fue uno de esos directores que a partir de 1960 revolucionó los esquemas narrativos desconcertando de paso a muchos espectadores. En esta, su primera película en inglés, no solo continuó su demandante búsqueda formal, sino que dejó un testimonio definitivo de la vida cultural y bohemia del Londres de su tiempo, uno de los epicentros de las radicales propuestas creativas que cambiaron la faz del arte, la moda y la cultura para   siempre.

Martes 22 de noviembre.

El viaje (The Trip).

Dir: Roger Corman  (Estados Unidos/1967). Dur: 85 min.

Corman, para muchos uno de los cineastas más oportunistas en la historia del cine, decidió explotar la psicodelia y la controversia de las drogas y la revolución sexual para confeccionar esta película sensacionalista a partir de un guión escrito por el entonces novel actor Jack Nicholson. El resultado es un fascinante testimonio que refleja, entre otras cosas, la mentalidad de su tiempo,  pero también los excesos formales de un cine que buscaba romper con los estereotipos visuales de Hollywood.Como complemento se exhibe un fragmento de la cinta Fantasía (E.U./1940).

Martes 29 de noviembre.

Buscando mi destino (Easy Rider)

Dir: Dennis Hopper. (E.U./1969). Dur: 95 min.

El subgénero de los motociclistas rebeldes fue muy socorrido por el cine norteamericano de finales de los 60. Esta fue no solo la cinta más popular de esta corriente, sino la que cambió definitivamente el rostro de Hollywood y lanzó al estrellato a sus protagonistas: Jack Nicholson, Peter Fonda y Dennis Hopper. Hoy pudiera parecer un tanto envejecida, pero su importancia y legado es innegable. Como complemento se exhibe el corto Destino (Dir: Dominique Monfery/E.U./2003)

Martes 6 de diciembre.

Hair

Dir: Milos Forman. (E.U./1979). Dur: 120 min.

El musical de Broadway Hair resultó tan polémico y controvertido a finales de los 60, que Hollywood no pudo o no quiso adaptarlo al cine sino hasta mucho tiempo después, cuando ya incluso había muerto el movimiento pacifista hippie que retrataba. Sin embargo, la película resultante es no solo excelente, sino una de las primeras visiones criticas del cine estadounidense a la guerra de Vietnam. Milos Forman, además, entendió perfectamente el material al ser él mismo testigo de la primavera de Praga y la invasión soviética a Checoslovaquia.

FIN DE ACTIVIDADES DEL CINE CLUB DEL INBA DURANTE EL AÑO 2011.